El fotógrafo catalán Toni Ponti firma el cartel oficial con aires de la década de los 60

La 61ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que tendrá lugar del 20 al 28 de Septiembre, ha presentado ya los carteles de las secciones que lo conforman. En un acto convocado en el Eureka! Zientzia Museoa de San Sebastián, la organización dio a conocer las propuestas vencedoras del concurso online, celebrado por segundo año consecutivo. De esta manera, se han seleccionado los carteles para las secciones Oficial, Nuevos Directores, Horizontes Latinos, Zabaltegi y Perlas. La competición contó con 1.046 propuestas de 327 autores.

El ojo o el obturador que todo lo mira

Creador del cartel de Horizontes Latinos de la pasada edición, Toni Ponti se ha alzado ganador y, por lo tanto, autor del cartel de la Sección Oficial, titulado “Óptico”. “A primera vista la ilustración que protagoniza al cartel es una óptica, un obturador, una lente fragmentada, un ojo… pero también un recinto cerrado contenedor de personas (un patio de butacas, un teatro, el festival…) o incluso un laberinto”, asegura.

Sobre su fuente de inspiración, Ponti explica de dónde surgió la idea. “El festival entra este año en la década de los 60′s con su 61 edición. Quería mirar hacia atrás y darle ese aire fresco, colorista, libre de prejuicios y pop de esa gloriosa década. Unos años importantes en los que se refiere a la fusión de cine y diseño gráfico gracias al protagonismo que alcanzaron los títulos de crédito. De ahí partiría: Artistas gráficos como Saul Bass o Maurice Binder, títulos como Charade (Charada) de Stanley Donen, Vertigo (Vértigo. De entre los muertos) o Strangers on a Train (Extraños en un tren) de Alfred Hitchcock, Dr. No (Agente 007 contra el Dr. No) de Terence Young, las comedias de Blake Edwards, las bandas sonoras de Henry Mancini o hasta Louis de Funès o Berlanga…”.

Zabaltegi, una Z sin límites

La donostiarra Maialen Echaniz se ha alzado como la vencedora del cartel para la Sección de Zabalegi.  “Mi intención era representar el concepto de Zabaltegi, como sección en el que cabe todo tipo de cine, a través de una Z que se expande sin límites más allá del lienzo”, explica.

Perlas, gota a gota

Afincada en Madrid, la arquitecta técnica Beatriz Galván de la Rosa, especializada en diseño 3D e infografías, es la autora del cartel correspondiente a la Sección Perlas. “El cartel representa el origen, recorrido y formación de una gota, una metáfora gráfica que pretende plasmar el proceso de creación de una película desde la idea, pasando por su ejecución, hasta su estreno. La imagen capta el instante en el cual la gota, a punto de desprenderse, crea ese ambiente expectación propio de las películas que participan en Perlas”, comenta.

Una explosión de Nuevos Directores

El ilustrador y diseñador gráfico Lander Telletxea es el autor del cartel “Berriak”, que ilustra la Sección de Nuevos Directores. “Una explosión, una exclamación, una efervescencia, un tag directo… NEW! Ya están aquí los nuevos directores”, comenta el artista afincado en Bilbao.

Una ciudad asentada en Horizontes Latinos

El diseñador mexicano Oliver Meneses se ha alzado vencedor de la Sección Horizontes Latinos, con su cartel “Ciudad”. Meneses viene avalado por un dilatada experiencia en el campo de la publicidad y mercadotecnia, que abarca 21 años en el sector. Sobre su cartel, explica: “¿Qué tal si Inception y su alocado desdoblamiento urbano tuviera lugar en Latinoamérica? ¿Cómo sería partir de una ciudad tan particular como La Habana, D.F., Río o Buenos Aires?  Mezclando esas ideas, llegué a este cubo Rubik donde la Ciudad de México se vuelve, casi, la última frontera, esa ciudad donde se acaba el mundo y empiezan los sueños vividos…“.

En el año 2010 el director francés Olivier Assayas realizó una miniserie de tres episodios acerca de uno de los terroristas más buscados y temidos durante la década de los setenta y ochenta: Ilich Ramírez Sánchez, alias “Carlos” (apodado “El chacal” por el periódico británico The Guardian), y que se erigió ese año y en los siguientes como una de las más apasionantes historias (y mejor contadas) acerca del terrorismo internacional durante los últimos años. La película fue rechazada con rotundidad por su protagonista.

Carlos fue miembro del Frente Popular para la Liberación de Palestina y posteriormente de un grupo propio.

Esta película (que fue injustamente recortada para su comercialización en salas), para aquel que desconocía la historia de dicho personaje, -autoproclamado revolucionario-, constituyó un fresco histórico a la vez que una nada panfletaria historia sobre cómo un hombre defiende sus ideales y su ego hasta la extenuación.

Ahora, el segundo documental del realizador Nadav Schirman, que parte de una trilogía que continuará con The green Prince”, es una película que puede funcionar de manera perfecta como complemento a la realizada por el francés. Trata de la figura de Magdalena Kopp, que casada con Carlos, cuenta su experiencia en primera persona y en un inquietante primer plano. El documental tiene dos partes bien diferenciadas. En la primera, se narran las vivencias de los compañeros del líder terrorista, poniendo hincapié en los testimonios de Magdalena Kopp, además de contar el nacimiento y los atentados del grupo, principalmente en Francia.

En la segunda, será la hija de ambos, la que cuente el cómo intentar recuperar la figura de un padre, odiado en varios países y en otros como Venezuela , Libia, Argelia, Siria y Palestina considerado un héroe de la causa árabe; encarcelado ahora, su hija logra comunicarse con el que fuera un personaje desconocido y perdido en la negrura de los acontecimientos políticos de las décadas pasadas. Así, se cuenta la indecisión de intentar conocer a un ser querido, sin saber lo que se puede uno encontrar. Los últimos minutos de la película se convierten, de esta manera, en un turbador grupo de secuencias.

Y es que cuando uno ve en los créditos iniciales el logotipo de HBO, se intuye que lo que va a ver es algo interesante. Y así ocurre con “En el cuarto oscuro”, que es un documental bien narrado y que lleva a un camino de desesperación que causa cierto estremecimiento. Consigue sus propósitos y su objetividad es pasmosa, cruel y veraz.

Por otra parte, también en la Sección Oficial se pudo ver el documental “Elena”, de la directora brasileña Petra Costa, que trata de forma demasiado exasperante de la vida de una joven que viaja a Nueva York acompañada por su madre y hermana para ser actriz, sueño que queda truncado por las drogas y la locura. Es una película que subraya demasiado sus intenciones, convirtiendo sus secuencias en un soporífero juego “new age” que más que marcar sus intenciones de conseguir conmover, dramatiza en exceso y subraya hasta el aburrimiento todas sus secuencias, convirtiendo sus últimos 20 minutos en un aburrido calco sobre lo que ha marcado una y otra vez desde sus primeros momentos. Es una hora y 22 minutos de querer remarcar la pasión sin llegar a ninguna parte; y su premisa se pierde en un mar de sueños, ideales  y demás convenciones que hacen que uno mire al reloj una y otra vez esperando su final.

El largometraje “El otro día” es más que un documental, por contar las vivencias del pasado en primera persona del realizador Ignacio Agüero tras colocar la cámara dentro de su casa para que, presentándose sus protagonistas en la puerta de la misma, (ciudadanos anónimos que iluminan con su supervivencia los objetos de la casa del realizador para que él los convierta en los respetados intérpretes de su estampa cinematográfica y salga a la calle en busca de sus testimonios) se transforman en los declarantes de las dos horas de metraje. “El otro día” es así una película absorbente, melancólica y que deja un poso de algo que va más allá que el metalenguaje del documental deja entrever, para superponerse a la transcripción testimonial de estas personas y llegar a fundir el pasado y el presente. El pasado de los objetos de la casa, donde la luz les llega a través de las ventanas de un exterior que marca el presente, y el estado actual de las cosas, donde los personajes marcan la pauta, llamando a la puerta del protagonista para poder elaborar así el trabajo de cámara en mano y transcribir la musicalidad del presente a través de los hogares de otros. Y todo lo hace con pocos medios y una idea esencial, muchas veces, difícil de llevar a escena: el descongelar el pasado en el presente.

Quizá hayan sido demasiadas las dos horas de contar todo esto para una y otra vez volver sobre lo mismo y repetir las imágenes de objetos, donde la luz cambia de color sobre ellos. E igual sean demasiados los testimonios de la gente que toca la puerta del protagonista para que éste, descubra retazos de sus vidas. Y las dos horas de pausada aflicción hacen mella en el espectador más avezado en este tipo de largometrajes. Pero la película levanta el vuelo cuando los protagonistas, antes anónimos, desnudan su presente ante el director y nos hacen ver la realidad, la luz que cambia en el rostro de cada uno de golpea la puerta, que se pueda encontrar en la calle o que se cruce en el camino de manera fortuita.

Y es el devenir de la esperanza la que queda en el rostro de los que nos hemos encontrado en el camino, de los que nos hemos cruzado en un momento determinado de nuestras vidas. Y de eso trata este documental.

Ignacio Agüero, al que se le ve de manera indisimulada la admiración por autores donde el valor de la imagen pueda más que la artificialidad de la estructura (Bergman, Godard, Perec,…), ve en el fondo la esencia de lo que quiere narrar; aunque, lo alargue durante dos horas, que a muchos pueda hacérselas eternas. Tan eternas como los cuentos de una vida tras otra.

Aún así, quien se atreva a entrar en el mundo de “El otro día”, descubrirá el trabajo admirable de un director amante de la idea de la ilusión como fundamento de algo que cubre el rostro de algo forastero que se convierte en reconocible. Y que se pasea, cada día por cualquiera de nuestras calles, en todas las ciudades del mundo.

La Sección Oficial de Documenta Madrid de este año, ha presentado una proyección apasionante sobre la red de redes y, en concreto, acerca del motor de búsqueda más importante del mundo en Internet: Google. Se refleja el afán de la empresa por construir el archivo más grande del mundo, en base al escaneo de libros de varias de las bibliotecas más importantes o emblemáticas del planeta. Pero dicho escaneo sólo lo deja ver Google en el documental durante seis segundos. El secretismo y la apabullante maquinaria de la empresa quedan ocultos tras su engranaje de potencial mundial y ambición desmedida, con el fin de asentarse y prosperar como un punto de información definitorio en un futuro que se les va de las manos. Y su realizador, Ben Lewis lo presenta con el miedo y el suspense con el que uno ve, con inusitada ignorancia, cómo funciona el maremágnum de cables y luces que se encienden y apagan en ordenadores inmensos.

La idea que  H. G. Wells predijo en 1937 acerca de la construcción de un cerebro mundial es la base para el escaneo sin ningún tipo de escrúpulo por parte de una empresa que tiene en su haber cerca de 38 mil millones de dólares de ingresos y  nueve mil setecientos millones de beneficios netos (datos de 2011).

Pero, ¡ay!, la idea de imaginería de letras escaneadas en pantallas de ordenador, donde todos pudiéramos buscar esos libros que hubiesen desaparecido se su formato que les vio nacer para fundirse en las pantallas de los ordenadores se topa con los derechos de autor de aquellos escritores que nunca alcanzaron a imaginar que sus letras fuesen fundidas en placas cibernéticas y luces estereoscópicas. Y las leyes de los países desarrollados, aquellos que funcionan como jefes y sargentos de las mentes de los ciudadanos de a pie (Francia, Alemania…), dicen no a la invasión norteamericana de la ruptura de fronteras de los epílogos de los libros más allá de las tapas duras que abren y cierran sus letras. Y llevan a los tribunales a la empresa norteamericana para que un juez (llamado Denny Chin), junto con un escritor japonés (Shojiro Akashi) enfadado porque uno de sus libros ha sido fotocopiado impunemente por Google, para que frene la colonización mundial del ciberespacio de las letras.

Y aquel que se resiste a comprase un e-book, por muy práctico que este sea, observa pasmado cómo el futuro le queda inmensamente lejos pero peligrosamente cerca del dominio de la mente humana. Esas generaciones pasadas que escribía hace unos siglos con tinta mojada sobre pergaminos mohosos, ven desde el más allá cómo sus generaciones presentes disfrutan de los libros sobre las manos en pantallas LCD de cristal líquido. 

El documental, está coproducido entre el Reino Unido y España, cosa curiosa por tratarse, el nuestro, un país a la cabeza de las descargas ilegales de Internet y con un gobierno que grava con el 21 por ciento de IVA el acceso a al cultura. Y este documental deja al descubierto toda esta incertidumbre, en un presente casi irreal y un futuro aún más borroso. Como una pantalla de cristal líquido golpeada por un tintero.

Todo es tan asombrosamente irreal…

La décima edición de Documenta Madrid se celebrará del 5 al 12 de mayo próximo, teniendo como apoyo varias sedes e importantes,(además de muy interesantes), proyecciones en su inminente programa.

Se renueva, en dicha edición, su línea de programación, reduciendo secciones para que el acceso al público sea más cómodo, concentrando además la sección a concurso en una única Sección Oficial, constituida por dos apartados competitivos que plasmarán las mejores producciones del año. A dicho interés se le añade el hecho de la dificultad de poder visionar estas cintas en circuitos comerciales habituales.

Serán un total de 75 películas, seleccionadas entre más de 1.100 solicitudes que se recibieron desde ochenta y cuatro países, de todos los continentes. Ahí es nada.

El Delegado del Área de Gobierno de las Artes, Deportes y Turismo del Ayuntamiento de Madrid, Fernando Villalonga ha destacado que “hoy, más que nunca, las imágenes en movimiento constituyen el retrato más importante de nuestra sociedad. Y el cine documental o el cine de lo real, toma un valor primordial como notario de lo que nos rodea en esta era audiovisual”.

En esta edición, comandada por sus nuevos directores (Mikel Olaciregui,- ex director del Zinemaldia-, y Vicente Mozo), se podrán ver largometrajes, cuyo carácter privilegie el punto de vista narrativo, la información o el interés social sobre la actualidad de nuestro convulso mundo. Serán 14 las películas a concurso, dos de producción española, además de un título extra fuera de competición. Entre ellas, por ejemplo, “The Gatekeepers”, Premio al mejor documental de la America’s National Society of Film Critics y Los Angeles Film Critics, 2012, además de nominada como mejor documental para la pasada edición de los Oscar. O la recién premiada en Málaga, “A la sombra de la cruz” de Alessandro Pugno.

De igual manera, podremos ver 18 cortometrajes (de 30 minutos como máxima duración), que no pueden formar parte de una serie y que vendrán de 15 países diferentes. Uno de ellos será de producción española, además de un título fuera de competición.

El Jurado pertinente elegirá los premios a las tres mejores películas en cada categoría. Pero el público también podrá expresar su opinión, votando en cada trabajo, que se verá estampado en el correspondiente Premio del Público.

Pero también en el Festival, habrá más opciones, como las que reflejarán sus dos secciones informativas dedicadas íntegramente a la producción nacional. La primera, Panorama del documental español, donde se recogerán las producciones recientes y que no han sido estrenadas aún en Madrid. Será la ocasión de poder ver en exclusiva un total de 13 largometrajes y cinco cortometrajes.

Por otra parte, la Sección “Retrospectiva”, donde se tratará de proyectar el documental durante la transición en España. Parte del Festival que se verá completada con la presentación del libro “Las voces del cambio”.

Las sedes del Festival serán el Matadero de Madrid (que cada vez acoge un mayor número de eventos culturales y musicales, véase desde hace un par de años el Día de la Música, por ejemplo), el precioso Cine Doré y la Casa de América.

Más información en la Web oficial de Documenta Madrid: http://www.documentamadrid.com/es/

El plazo para la votación del público en el segundo concurso de carteles convocado por el Festival de San Sebastián para su 61 edición se ha abierto este jueves. El público elegirá diez de los 20 finalistas de cada categoría, según ha informado el certamen donostiarra.

La votación estará abierta hasta el 1 de abril a las doce del mediodía. El público podrá votar por sus favoritos entre los más de 1.000 carteles presentados para participar en las distintas categorías: Cartel Oficial, Nuevos Directores, Zabaltegi, Horizontes Latinos y Perlas.

Para poder elegir los carteles favoritos será necesario estar registrado en el ‘site’ especial dedicado al concurso (www.sansebastianfestival.com/concursocarteles), desde donde los usuarios también podrán difundir y compartir sus votos en redes sociales. Cada usuario podrá emitir un voto por sección al día.

Un jurado específico elegirá los carteles ganadores entre los más votados por el público y los seleccionados por el Festival donostiarra, y se sortearán cinco premios entre todos los usuarios cuyos votos hayan coincidido con los carteles ganadores de cada sección, que consistirán en un abono cine de diez sesiones y un lote de publicaciones de la 61 edición del Festival.

Para la elección de los carteles ganadores se preseleccionarán las diez propuestas más votadas por el público en cada sección, mientras que otros diez carteles de cada sección podrán ser seleccionados por parte del Festival de San Sebastián, hasta completar un total de 20 finalistas como máximo el día 4 de abril de 2013.

Entre estos finalistas, un jurado compuesto por Clara Montero (directora de Promoción de la Cultura del Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco), Coro Odriozola (gerente de SADE), Lucía Olaciregui (adjunta a la Dirección del Festival de San Sebastián), José Luis Rebordinos (director del Festival de San Sebastián) y Ane Rodríguez (directora cultural de Tabakalera-Centro Internacional de Cultura Contemporánea), elegirá los carteles ganadores de cada sección, que se darán a conocer públicamente el 10 de mayo.

El premio para el ganador o ganadores será de 3.000 euros netos en el caso del cartel oficial y de 1.000 euros netos por cartel de cada una de las otras secciones.

El sábado, al acercarme a Jareño, descubro que se trata de un pequeño festival que celebra su primera edición: el Lurrazpiko Festa. Nada menos que cinco grupos para una noche que a cada momento prometía nuevas sorpresas.  Un cartel que cerrarían nada manos que Veronica Falls presentando su nuevo trabajo.

Nada más llegar, subían al escenario los propios Violeta Vil. No voy a extenderme en los comentarios sobre este grupo porque mi objetividad quedaría en entredicho tras las primeras líneas de este artículo. Sí diré que cada día me parecen mejores y que son capaces de crear un muro de sonido envolvente que te traslada a una mezcla de paisajes tropicales y rincones oscuros. Por algo han sido una de las mejores bandas nacionales de 2012 para Rockdeluxe.

La noche la revolucionaron Juanita y los Feos que derrocharon energía y descaro, ofreciendo argumentos más que de sobra para justificar ese gran número de seguidores que bailan durante todo el concierto y que se saben las letras de casi todos sus temas. Quizás llegaron demasiado pronto. Uno espera que las emociones vayan in crescendo, grupo tras grupo. Por eso, los correctos The Feelling of Love fueron víctimas del desgaste de la actuación anterior y se convirtieron en mera transición hacia el concierto estrella. Tendremos que volver a verlos en otra ocasión para valorar realmente sus aptitudes aunque los franceses apuntaban maneras.

Veronica Falls llegaron como uno de los grupos emergentes del lo-fi británico más prometedores. Tras su notable álbum de debut, recorren estos días la península presentando su segundo disco. En San Sebastián, demostraron ser una buena banda con un repertorio más completo que un buen par de pegadizos hits. El cuarteto tiene un sonido sólido y, aunque es verdad que  tampoco son la bomba, su corta recorrido hasta la fecha hace presagiar un exitoso futuro.

Después vinieron los Dj’s que completaron una gran noche que horas antes prometía ser de lo más olvidable. Un fría noche de febrero que terminaba siendo realmente divertida. Esperemos que esta sea la primera de muchas más, con futuras ediciones del Lurrazpiko Festa.

Una de las grandes corrientes de Hollywood de los últimos años es la creación de producciones con un impostado aire indie entre las que cada año suele sobresalir una cuando llega la temporada de premios. La última gran representante de esa estirpe ha sido ‘El lado bueno de las cosas’ (‘Silver Linings Playbook’, David O. Russell, 2012), en cuya promoción no se está teniendo reparos en calificarla como la película con mejor rollo del año al mismo tiempo que recuerda lo doloroso que puede llegar a ser el amor. Esta dualidad la define perfectamente, siendo la fuente de muchas de sus virtudes y defectos.

Lo primero que hay que saber sobre ‘El lado bueno de las cosas’ es que es una comedia romántica, ese subgénero que a menudo nos regala producciones maniqueas únicamente destinadas a aquellos espectadores que gozan de la distorsionada visión del amor que nos ofrece el cine más comercial. Es indiscutible que estamos ante una producción que toma varios elementos que bien podrían aparecer en la próxima cinta protagonizada por Reese Witherspoon, pero David O. Russell no deja que eso canibalice su intentona de ofrecer una visión más natural del amor y el dolor humano.

Russell siempre ha tenido una fama de director conflictivo, siendo especialmente célebre su discusión con Lily Tomlin durante el rodaje de la olvidable ‘Extrañas coincidencias’ (‘I Heart Huckabeess’, 2004), aunque también se dice que llegó a pelearse físicamente con George Clooney mientras grababan el final de ‘Tres reyes’ (‘Three Kings’, 1999). No parece una mera coincidencia entonces que el protagonista de ‘El lado bueno de las cosas’ sea bipolar y sufra terribles accesos de ira, y tampoco que eligiese a Bradley Cooper, ya que el protagonista de ‘Resacón en Las Vegas’ (‘The Hangover’, Todd Phillips, 2009) confesó a Russell que él había pasado por una etapa autodestructiva que ya había dejado atrás, siendo en ese delicado periodo de transición donde ‘El lado bueno de las cosas’ incide con especial agudeza.

Ya era un cineasta caracterizado por personajes – o situaciones- llevados al extremo, pero aquí eso se revela en forma de enfermedad que corre el riesgo de destruir la vida de sus principales protagonistas. La recomposición individual y la peculiar actitud de los personajes es más que suficiente para que el previsible triángulo amoroso que se plantea no resulte algo molesto, sino una etapa clave para alcanzar esa ansiada felicidad. Todo esto queda reflejado de forma directa en una secuencia inicialmente controlada por un renacido Robert De Niro – he perdido la cuenta de los años que hacía desde su última gran actuación-, pero que acaba siendo otro momento más en el que Jennifer Lawrence demuestra su desbordante talento

La magnética presencia de la protagonista de ‘Winter’s Bone’ (Debra Granik, 2010) está a punto de comerse la película, pero justo es reconocer que Bradley Cooper, un intérprete que había vivido hasta ahora de su presencia más que de sus dotes interpretativas, sabe llevar bien el peso del relato pese a lo frustrante que llega a hacerse que el espectador sepa mucho antes que él sus sentimientos hacia la primera. Es en la relación con su ausente esposa – únicamente hace acto de presencia en el momento más inoportuno y no teniendo más trascendencia que la de incidir en su papel como molestia para el romance verdadero que se nos ha presentado- donde ‘El lado bueno de las cosas’ presenta varias debilidades, ya que sólo consigue enganchar al espectador cuando muestra el dolor del protagonista, siendo totalmente intrascendentes sus intentos por recuperarla. No deja de ser una reaparición de su destructivo pasado que le impide avanzar a él y a la propia película, pero hace desfallecer a una cinta que acierta a la hora de mostrar los procesos para la regeneración de la capacidad de amar a otra persona y los vínculos con tus progenitores.

La otra gran concesión de la película a lo convencional es la ya famosa escena de baile en la que Lawrence da rienda suelta a esa sensualidad que amenazaba con explotar en cualquier momento – hasta entonces lo hacía de forma meramente verbal con su confesión sobre lo que hace para intentar sobrellevar la muerte de su marido- . Se agradece que Russell rehuya los subrayados habituales que podrían haber convertido a ‘El lado bueno de las cosas’ en una comedia romántica del montón con el disfraz de cine indie profundo, pero le falta un poco más de arrojo, tanto formalmente – bastante anodina si lo comparamos con ‘Lincoln’  (Steven Spielberg, 2012), cinta ante la que probablemente sucumba en su lucha por el Oscar- como argumentalmente, donde no todos los apuntes cómicos funcionan igual de bien – sorpresa agradable la presencia de Chris Tucker, eso sí- y la densidad de su reflexión no llega a resultar tan fascinante como se propone.

He de reconocer que nada más ver ‘El lado bueno de las cosas’ la “desprecié” un poco al ver en ella poco más que otra película indie de mentira más o menos bien resuelta, pero lo cierto es que es una buena película, algo lejos de ser mi preferida entre las aspirantes al Oscar de este año, pero con no pocos atractivos – la vibrante presencia de Jennifer Lawrence y el poder ver la mejor actuación de Robert De Niro en muchos años son los más llamativos, pero no los únicos- que justifican su visionado y el prestigio que ha conseguido.

Es cierto que la sensación que le queda a uno (al menos a mi) es que se trata de una sucesión de momentos magistrales, en la que el conjunto no llega a tener el mismo nivel. Tratando de encontrar argumentos detrás de ese razonamiento, llego a la conclusión de que, quizás, uno no recibe las respuestas que se van planteando. Es bueno que una película te haga pensar, dejando puertas abiertas pero creo que, en este caso, se trata de algo más estructural. Desde que los dos protagonistas tienen su primer encuentro hasta el final, parece no evolucionar en nada ni su relación ni sus actitudes.

A pesar de todo, es interesante el enfoque que propone hacia las sectas, sin posicionarse en un cómodo papel excesivamente crítico. En muchos momentos, parecen intuirse buenos propósitos en el líder que parece querer ayudar al alma en pena del protagonista. Es, precisamente ahí, donde se plantea un interesante debate sobre quién se aprovecha de quién o, incluso, quién necesita a quién.

El sobreproteccionismo del líder hacia su gente, recuerda a la actitud enfermiza que tenía hacia sus hijos el padre de familia de la griega “Canino”. La mirada ingenua que Joaquim Phoenix adopta es como la de aquellos hijos que seguían fielmente a su guía, como los feligreses siguen a su Dios. Según el propio Philip Seymour Hoffman afirma en la película, todo el mundo necesita adorar a alguien. Anderson responde inmediatamente y de manera genial a esa afirmación, mostrando en la secuencia final el verdadero poso que toda esta experiencia ha dejado en la cabeza del protagonista.